CAMILLE
GRAVEL
Démarche artistique
Camille est animée par un besoin viscéral de vivre pleinement, plutôt que de simplement exister. Elle canalise cette intensité à travers son art, créant des œuvres empreintes d’émotions qui oscillent entre passion, émerveillement, équilibre et douceur.
Tout cela s’exprime à travers son sujet de prédilection : le visage féminin, auquel elle s’identifie profondément. Les yeux, souvent fermés ou dissimulés dans ses figures, permettent au regardeur d’accueillir l’émotion et de se l’approprier. La flore et la faune locales qu’elle intègre à ses œuvres sont également porteuses de symboles forts qui participent à son identité artistique. À travers elles, Camille cherche à illustrer une forme d’harmonie entre la femme et son environnement.
Les poses dynamiques des animaux et les compositions surréalistes cherchent à éveiller chez le spectateur une émotion, une énergie ou un désir d’agir, l’encourageant à se rapprocher de ses propres aspirations et à vivre pleinement.
Sa pratique picturale privilégie les tons chaleureux du café sur bois, ainsi que les contrastes entre l’acrylique noir et blanc. Ses œuvres se distinguent par un riche jeu de textures créé à partir de différents médiums et procédés : feuilles d’or, gouttelettes dispersées, coups de pinceau apparents et parfois même éléments issus de la nature. Ces différentes matières apportent une dimension presque tridimensionnelle à ses œuvres.
À travers sa pratique, Camille souhaite transmettre cette même soif de vivre et inspirer les spectateurs à vivre pleinement, à trouver l’harmonie en eux-mêmes et à poursuivre leurs plus grandes aspirations.
Elle souhaite offrir un miroir, une douce invitation à renouer avec soi-même et à découvrir la passion qui habite chacun de nous.
KATHLEEN
ROBY
Démarche artistique
La superposition est au cœur de la pratique de Kathleen Roby. Elle explore les tensions entre les formes, les lignes et les contrastes, mais surtout ce qui émerge lorsque les différentes couches se rencontrent. Chaque étape du processus de création conserve une trace de son passage — une mémoire subtile qui s’inscrit dans la surface de l’œuvre.
La matérialité occupe une place essentielle dans son travail. Bien qu’elle utilise des pinceaux, des spatules et des bâtons de bois, ce sont ses mains et ses doigts qui demeurent ses outils de prédilection. Elle crée également ses propres pigments à partir d’éléments naturels tels que la tourbe, la cendre de bois et la rouille, qu’elle réduit en fines poudres. Ce processus de transformation est fondamental dans sa démarche, permettant à la présence physique du territoire de s’inscrire au cœur de chacune de ses œuvres.
La lumière du Québec, le rythme des saisons et les paysages qui l’entourent nourrissent continuellement sa vision artistique. Parfois, une expérience personnelle ou une émotion devient le point de départ de la création. Rien n’est illustré directement, mais tout laisse une empreinte — une présence discrète, une suggestion silencieuse.
Plutôt que de chercher à représenter, Roby cherche à révéler — à faire émerger ce qui existe sous la surface plutôt qu’à reproduire ce qui est immédiatement visible.
Chaque œuvre ouvre un espace sensible, porteur de sa propre énergie et de ses propres tensions. Elle invite le spectateur à l’habiter, à y projeter son regard et à l’interpréter à travers ses expériences et sa propre sensibilité.
MANON
CREUSOT
Démarche artistique
La pratique picturale de Manon Creusot s’inscrit dans une exploration contemporaine de l’abstraction, tout en laissant place à des éléments figuratifs librement esquissés. Elle s’intéresse à une forme de figuration déconstruite et minimaliste, où les formes ne cherchent pas à reproduire la réalité, mais plutôt à en saisir l’essence émotionnelle.
Sa démarche repose sur un processus entièrement intuitif, sans esquisses préparatoires ni compositions prédéfinies. Chaque œuvre se construit dans l’instant, à travers une exploration spontanée où le geste, la couleur et le rythme façonnent progressivement l’image. Cette approche est profondément ancrée dans la liberté de créer : la liberté d’expérimenter sans attente, de jouer sans chercher à tout contrôler et d’accueillir l’imprévu comme une partie essentielle du processus artistique.
La couleur occupe une place centrale dans son travail. Elle agit à la fois comme matière, énergie et langage émotionnel. Qu’elle soit déposée en aplats calmes et minimalistes ou construite en couches vibrantes, elle contribue à établir l’équilibre visuel et l’atmosphère propres à chaque composition.
Travaillant principalement l’acrylique, le crayon et le pastel sur toile et sur papier, Creusot crée des œuvres à la fois douces et dynamiques. Elle s’intéresse particulièrement à leur capacité à offrir des moments de pause, à évoquer un sentiment d’apaisement et à créer des espaces propices à la légèreté et à la contemplation.
Plutôt que de raconter une histoire précise, ses peintures proposent un paysage perceptuel ouvert, dans lequel le spectateur est invité à projeter ses propres souvenirs, émotions et interprétations.
En privilégiant une économie de moyens et un langage visuel direct, Creusot conjugue liberté gestuelle, simplicité des formes et attention réfléchie à la composition. À travers sa pratique, elle cherche à préserver la peinture comme un espace d’exploration intérieure et de sensibilité partagée, affranchi des contraintes de la représentation.
JULIE
BEAUCHEMIN
Démarche artistique
Julie Beauchemin est une artiste multidisciplinaire canadienne dont la pratique évolue librement entre peinture, photographie, dessin, art numérique, installation et performance. Ses peintures abstraites prennent naissance dans un dialogue entre le geste spontané, la lumière et la couleur, où l’instinct se conjugue à une réflexion sensible sur l’expérience humaine.
Son travail explore les passages inévitables de la vie, le mouvement du temps, la solitude ainsi que la fragilité inhérente à notre condition. Au sein de ses compositions apparaissent parfois des fragments de maisons et d’étranges formes animales — des symboles discrets de ces repères de l’enfance qui demeurent en nous alors que nos vies évoluent.
Animée par un désir de créer des liens et d’entrer en résonance avec ses contemporains, Beauchemin crée des œuvres qui invitent le spectateur à reconnaître, en elles, une part de son propre parcours.
Les œuvres présentées dans le cadre de l’Affordable Art Fair de New York sont issues de sa série Les secrets. Chaque œuvre porte les traces de moments du quotidien et de passages personnels — ces expériences en apparence ordinaires qui, silencieusement, contribuent à nous transformer.
Frédérique
Girard
Démarche artistique
La pratique artistique de Frédérique s’ancre dans une approche intuitive où l’émotion et l’instinct guident chacune des étapes du processus de création. Libérée des règles et des conventions, elle aborde chaque œuvre comme un espace d’exploration et de liberté, où le lâcher-prise occupe une place essentielle.
Ses peintures se construisent par la superposition de couches successives de peinture, de collage, de textures et de techniques mixtes. Ces strates accumulées créent profondeur, mouvement et richesse visuelle, tout en laissant apparaître les traces du parcours créatif. Chaque composition évolue de manière organique, façonnée par les gestes, les découvertes et les ajustements qui surgissent au fil du processus.
Influencée par sa formation en architecture et en génie de la construction, FRED demeure attentive à la structure et à la composition. Elle cherche constamment un équilibre entre spontanéité et contrôle, mouvement et stabilité, intuition et réflexion.
À travers son travail, elle développe un langage visuel personnel et accessible, où les formes, les couleurs et les matières invitent le spectateur à entrer en résonance avec ses propres émotions. Sans imposer de récit ni d’interprétation précise, elle propose des œuvres ouvertes, laissant à chacun la liberté d’y découvrir ses propres significations, souvenirs et points de connexion.
Hien-Tu
Démarche artistique
La vie, la nature et le moment présent sont au cœur de la pratique artistique de Hien-Tu. À travers l’acrylique et l’aquarelle, elle explore l’équilibre entre liberté et contrôle, jouant avec la transparence, la dilution, les superpositions et le mouvement pour créer des compositions empreintes d’émotion et de poésie.
Pour Hien-Tu, la couleur est un langage en soi. Chaque palette est choisie pour sa résonance émotionnelle et son énergie particulière, transformant ses œuvres en espaces de contemplation, de réflexion et de connexion intérieure. Nourrie par son parcours de vie, elle traduit l’intuition, la mémoire sensorielle et les émotions positives en formes abstraites inspirées de la nature.
À travers des univers floraux, océaniques et célestes, son travail explore notamment la beauté, la force intérieure et l’énergie féminine. Ses œuvres cherchent moins à raconter une histoire qu’à faire ressentir une émotion, une atmosphère ou une sensation.
Dans un monde où tout va rapidement, Hien-Tu invite à ralentir, à éveiller les sens et à prendre un moment pour soi. Chaque œuvre se veut un espace ouvert, où chacun peut projeter ses propres souvenirs, émotions et interprétations, et y trouver une résonance personnelle.
Dominique
Desmeules
Démarche artistique
Le travail de Dominique Desmeules s’attache à capter l’essence des lieux qu’elle traverse — les bleus intenses du ciel marocain, les rouges vibrants des piments séchant au soleil, les verts délicats des vallons irlandais, ou encore les jaunes éclatants des champs de colza. Plutôt que de chercher à reproduire fidèlement ces univers, elle s’en inspire pour créer des compositions où la couleur devient langage, matière vivante et émotion.
Dominique privilégie le contact direct avec la matière, mêlant crayons pastel, papiers artisanaux (thaïlandais, japonais, chiyogami) et techniques mixtes. Cette approche tactile lui permet de jouer avec la transparence, la superposition et le rythme des formes, instaurant un dialogue entre floral et paysage abstrait. Son œuvre invite ainsi à une immersion sensible, oscillant entre abstraction et figuration, entre mémoire et rêverie.
À travers cette démarche, Dominique Desmeules cherche à provoquer une expérience sensorielle, où le spectateur est invité à ressentir la vibration des couleurs et à entrer dans un espace poétique, personnel et universel.
Louise
Binet
Démarche artistique
Aussi loin qu’elle se souvienne, les mosaïques ont toujours fasciné Louise Binet. Ces parcelles, qui semblent anodines prises individuellement, prennent tout leur sens lorsqu’elles sont réunies pour former un ensemble vibrant et harmonieux.
Cette idée se retrouve au cœur de sa démarche artistique. Couleurs, formes et textures sont ses principales sources d’inspiration, qu’elles proviennent de la nature, de lieux ou d’objets du quotidien. Elle en extrait des fragments — une fissure dans la roche, une nuance, une texture — qu’elle réinterprète ensuite dans ses compositions.
Son processus est intuitif et libre. Par superposition de peinture, de collages et de textures, les œuvres se construisent progressivement, sans plan prédéfini. Les formes apparaissent, se transforment et dialoguent entre elles, donnant naissance à des compositions abstraites où se côtoient couleurs vibrantes, transparences et gestes spontanés.
À travers ses œuvres, elle souhaite inviter le spectateur à s’arrêter, contempler et se laisser porter, afin que chaque trait, couleur ou texture devienne le point de départ d’une interprétation personnelle.
Stéphanie
Viens
Démarche artistique
Stéphanie travaille de manière intuitive à travers une riche diversité de médiums, notamment la peinture acrylique, les pastels, le fusain, le crayon, le plâtre, le collage photographique, la broderie, et même des dessins réalisés par sa fille. Subtilement intégrés à ses compositions, ces dessins deviennent de précieux fragments de mémoire et de délicats rappels de l’enfance. Ce geste profondément personnel révèle une vulnérabilité discrète et une grande sensibilité au cœur de sa démarche artistique.
Le collage et la texture constituent souvent le point de départ de son processus créatif. Attirée par la force expressive de la couleur, Stéphanie laisse la composition se développer de façon organique, construisant intuitivement des couches, des formes et des gestes autour du collage initial. Chaque œuvre devient alors le reflet de son état intérieur, façonné par ce qu’elle ressent dans l’instant présent.
Profondément émotive de nature, Stéphanie trouve dans l’abstraction un langage pour exprimer ce qui ne peut pas toujours être nommé. La peinture lui permet de donner forme à ces émotions intangibles, de les explorer librement et, ultimement, de partager avec le spectateur sa propre interprétation de celles-ci.
À travers l’abstraction et le collage, elle crée un dialogue délicat entre précision et imperfection, contrôle et spontanéité, mémoire et émotion. Ses œuvres nous invitent dans un espace intime où fragments de vie, couleurs, textures et sensations se rencontrent, nous rappelant que certaines des choses les plus significatives ne sont pas faites pour être expliquées, mais simplement ressenties.
